Os 10 melhores filmes do Festival Internacional de Toronto 2026

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De documentário sobre jovens adultos vivendo em meio à guerra a Mahershala Ali no modo heróis de ação: os destaques do TIFF 2026

David Fear

Publicado em 21 de setembro de 2026

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Imagine que você está com fome e entra em um bufê. Diante de você, há dezenas e dezenas de pratos fumegantes, com opções que vão de mini-hambúrgueres de sloppy joe a noodles Sichuan salteados e generosas fatias de tiramisù. A variedade impressiona. A qualidade varia. Seu lado gourmet quer experimentar o máximo possível, na esperança de sair desse restaurante enorme e transbordante com uma boa noção das melhores opções doces, salgadas e, principalmente, saborosas. Naturalmente, o glutão dentro de você tenta enfiar o máximo possível goela abaixo, o mais rápido que consegue, antes que os donos virem a placa da porta para “Fechado”.

Essa é, provavelmente, a melhor metáfora que conseguimos encontrar depois de cerca de dez dias no Festival Internacional de Cinema de Toronto de 2026. Talvez exista uma versão mais eloquente, mas a espécie de coma alimentar cinematográfico em que estamos mergulhados nos deixou um pouco atordoados. O encontro anual que reúne críticos, programadores, celebridades, cineastas, assessores de imprensa e os eternamente curiosos por cinema sob uma única nação com uma folha de bordo ostentou pouco menos de 300 longas-metragens neste ano. Somem-se a isso as mostras de curtas, os eventos especiais e as extensas conversas de “uma noite com…”, e seria fácil preencher a agenda do amanhecer à meia-noite. O TIFF, como o festival é conhecido informalmente, sempre foi definido pela abundância. O slogan da 51ª edição poderia muito bem ter sido: “TIFF 2026: É muita coisa, agora mais do que nunca”.

De alguma forma, apesar do número paralisante de opções, o festival deste ano pareceu um pouco aquém — por falta de uma palavra melhor. A equipe de programação abasteceu as estreias de gala, as mostras de documentários, as seleções de cinema mundial e as psicodelias de Midnight Madness (1980) com grandes nomes e títulos muito aguardados do outono, além de uma boa quantidade de filmes badalados que se destacaram nos festivais de Berlim, Cannes, Sundance e Veneza. Ainda assim, as dores do crescimento provocadas pela tentativa de integrar um mercado cinematográfico a uma programação que já estava prestes a explodir pelas costuras, somadas a uma sensação geral de ansiedade e transição na indústria, fizeram com que o evento parecesse um pouco estranho, em termos de clima. Quando você ouve a 99ª pessoa perguntar: “Sou eu ou este ano está meio estranho para você também?”, bom, digamos que o bufê poderia ter recebido uma ajudinha na escolha dos ingredientes — e talvez seja hora de revisitar algumas das receitas antigas.

Ainda assim, o festival de cada pessoa é definido pelos seus destaques, e nós tivemos a nossa cota. Houve mais de alguns bons filmes com atuações absolutamente excelentes no centro deles e, pelo menos, um trio de produções pelas quais nos apaixonamos perdidamente. Esses três, acompanhados de alguns outros títulos de destaque, estão listados abaixo. De um faroeste spaghetti ambientado na Polônia durante a Segunda Guerra Mundial a um retrato comovente de adolescentes ucranianos dos dias atuais e uma comédia de humor ácido entre dois amigos em meio às gigantescas cabeças de Rapa Nui, estes são os nossos 10 melhores filmes do TIFF 2026.

(Menções honrosas: Clarissa, The Debut, Edward Said: Between Worlds, Elsinore, Ink, Julián, The Life and Deaths of Wilson Shedd, Pretenders, Neil Peart: No One’s Disciple e Sisters)

Black Sunflowers (2026)

Eles andam de moto e correm de carro, dançam em boates escuras, se apaixonam e, de modo geral, tentam navegar pelas águas turbulentas do fim da adolescência e do início da vida adulta. Então, esses jovens ucranianos precisam voltar à linha de frente para lutar contra as tropas russas e/ou lidar com as consequências de terem testemunhado de perto os efeitos traumáticos do combate.

O documentarista americano James Marcus Haney acompanhou de perto cerca de meia dúzia de jovens adultos cuja experiência de amadurecimento foi moldada ou marcada pelo conflito. O resultado é um retrato genuinamente comovente e humanista da vida em tempos de guerra.

Everytime (2026)

“Nada é chocante”, como já disse certa vez um frontman sábio. Há, porém, uma sequência logo no início do devastador drama de Sandra Wollner que vai deixar o espectador de queixo caído, graças à maneira extraordinária como a cineasta austríaca constrói e enquadra uma tragédia. O mais impressionante é que seu retrato do luto nem sequer atinge o ápice nessa cena impactante; a história continua a ganhar força e profundidade à medida que um adolescente, uma jovem e sua mãe viajam para um resort na ilha de Tenerife como forma de cicatrizar suas feridas. A capacidade de Wollner de entrelaçar realismo mágico, surrealismo mitopoético e a boa e velha observação humanista em um olhar absolutamente singular sobre a tentativa de reconstruir vidas despedaçadas parece um milagre. Realmente, não há nada parecido.

Krux (2026)

Facilmente uma das estreias mais impressionantes da mostra “Discovery”, dedicada a novos talentos, o primeiro longa do roteirista e diretor Tony Vahl nos leva a uma aldeia alemã durante as últimas semanas da Segunda Guerra Mundial. Os rumores de que as tropas soviéticas se aproximam rapidamente e a crescente sensação de que a guerra está perdida pairam sobre os moradores desse vilarejo rural, levando as autoridades locais a declarar que a morte em massa é uma opção melhor do que a rendição em massa. É uma condenação contundente do que acontece quando uma ideologia cega se sobrepõe ao bom senso e de como o nacionalismo pode deixar danos colaterais muito maiores do que se imagina.

Ladies and Gentlemen, Brian Mulroney (2026)

Deus abençoe Matthew Rankin (The Twentieth Century, Universal Language), o pouco reconhecido filho número 1 do cinema canadense, por nos presentear com este olhar subversivo e sarcástico sobre a ascensão de Brian Mulroney, garoto-propaganda do Partido Conservador Progressista do país e seu 18º primeiro-ministro. Não se trata apenas de ridicularizar uma figura divisiva da história nacional — o “queixo que andava como um homem” — que ajudou a conduzir a Terra do Maple rumo a uma versão mais mercenária da política de direita, que parece assustadoramente familiar. O mais interessante é a maneira como o cineasta cult satiriza todo o aparato midiático ao redor de figuras populistas e mistura, com inteligência e ironia, a nostalgia dos anos 1970, imagens de arquivo e uma estética kitsch tipicamente canadense em um delírio febril e hiperativo que é um verdadeiro prazer de assistir. Você não precisa conhecer a fundo a história da política do Grande Norte Branco para reconhecer um hilário e furioso “vai se foder” vindo do underground quando vê um.

Possible Love (2026)

É tentador dizer que o mais recente filme da lenda sul-coreana Lee Chang-dong é sua obra-prima — embora, quando sua filmografia inclui Peppermint Candy (1999) Secret Sunshine (2007) e Burning (2018), haja muita concorrência pelo título. Mas sua história sobre uma documentarista (Cho Yeo-jeong, Parasita (2019)) que faz um filme sobre um casal da classe trabalhadora (interpretado por Jeon Do-yeon e Sul Kyung-gu) envolvido em um protesto por direitos trabalhistas é tão bem observada, tão meticulosamente construída e funciona como uma bomba-relógio emocional tão poderosa que parece uma realização extraordinária mesmo dentro de uma carreira como a dele.

Comentários sobre classe, ativismo, trauma, orgulho profissional, violência promovida pelo Estado, crises econômicas, privilégios e a própria natureza exploratória do cinema documental são discretamente incorporados a uma história profundamente humana sobre quatro pessoas em rota de colisão. Zo In-sung, de Hope (2026), completa o elenco principal como o marido da documentarista, herdeiro de uma família rica. Há camadas sobre camadas na narrativa de Lee, além de momentos envolvendo referências inesperadas e movimentos de câmera que sugerem que uma partida de xadrez tridimensional está sendo disputada. Ainda assim, o filme jamais perde de vista as interações íntimas entre os dois casais, assim como o enorme abismo de dinheiro e empatia que existe entre eles. O melhor filme do festival, sem dúvida.

Soumsoum, The Night of the Stars (2026)

Mahamat-Saleh Haroun (A Screaming Man, Lingui) retorna com outro drama social em forma de fábula sobre uma jovem (Maïmouna Miawama) amaldiçoada — ou talvez abençoada — com visões do passado, do futuro e dos espíritos dos mortos. Aos poucos, ela cria um vínculo com uma mulher mais velha (Achouackh Abakar Souleymane), que os anciãos da aldeia acreditam ser uma bruxa responsável pela morte de inúmeros recém-nascidos. É uma história aparentemente simples, embora Haroun use sua habitual sutileza para questionar e dissecar todo o conceito de quem é rotulado como pária social e por quê.

Tender Loving Care (2026)

Há quem diga que este retrato peculiar de pessoas comuns lidando com as reviravoltas da vida pode, na verdade, ser o último filme de Mike Leigh. Se for o caso, o cineasta britânico que passou mais de cinco décadas explorando a experiência humana com delicadeza e aspereza, além de trabalhar em parceria com atores para criar personagens reconhecíveis e reais demais, está encerrando a carreira em alta. Uma assistente social (Kate O’Flynn, vencedora recente do Emmy) que acabou de terminar um relacionamento vai morar com uma colega de serviço público e melhor amiga de longa data (Alice Bailey Johnson). Enquanto isso, os pais idosos da assistente social (Marion Bailey e Paul Jesson) entram no capítulo final de suas vidas, com o inverno da mortalidade se aproximando.

Nós nos acostumamos a considerar Leigh um criador de comédias e tragédias profundamente ressonantes, mas este possível canto do cisne nos lembra por que ele é tão importante e genuinamente sui generis. O filme faz jus ao próprio título com louvor.

Wild Horse Nine (2026)

Martin McDonagh entrega mais uma comédia de amigos gloriosamente cheia de palavrões, escalando John Malkovich como um veterano agente da CIA e Sam Rockwell como seu parceiro mais jovem, especialista em operações clandestinas, durante uma viagem a Rapa Nui. O espião veterano está pensando em escrever uma autobiografia que revelaria um verdadeiro cemitério de esqueletos escondidos em seu armário, especialmente no que diz respeito ao envolvimento dos Estados Unidos nas turbulências políticas da América do Sul. Seu companheiro de viagem recebeu a missão de garantir que isso não aconteça.

Entendemos por que alguns colegas presentes no TIFF chamaram o filme de “Na Mira do Chefe ambientado na Ilha de Páscoa”, mas a mais recente incursão de McDonagh sobre amizade masculina, intrigas políticas e o peso da história está longe de ser uma repetição preguiçosa. O dramaturgo que virou cineasta simplesmente usa sua fórmula característica para mais uma vez cutucar a dinâmica de homens voláteis vivendo em tempos permanentemente voláteis — e continua acertando em cheio. Dizer que Malkovich nasceu para interpretar esse papel pode parecer exagero, considerando que ele literalmente já interpretou uma legião de John Malkovich. Mas, se este não for um dos pontos altos da carreira do astro, não sabemos o que seria.

Wild Wild East (2026)

Um estranho chega a cavalo a uma pequena cidade em busca de ouro contrabandeado. No caminho, precisa enfrentar outros caçadores, moradores de moral duvidosa e uma estrutura de poder corrupta. Esquecemos de mencionar que a história não se passa na fronteira americana do século XIX, mas na Polônia ocupada, por volta de 1943? O fato de o roteirista e diretor Jan Holoubek transportar com tanta habilidade a estrutura de um faroeste spaghetti à Sergio Corbucci para o contexto da Segunda Guerra Mundial já seria suficiente para destacar o suspense. Mas uma virada nos momentos finais faz você perceber qual é realmente o jogo que o filme está jogando. O que parecia apenas uma interessante mistura de gêneros ganha, então, um sentido muito mais profundo.

Your Mother Your Mother Your Mother (2026)

Se você lamentou ou não o fato de o possível filme de Blade estrelado por Mahershala Ali ter sido atravessado pelas decisões dos chefões da Marvel Studios, isso é uma questão entre você e seu deus. O que podemos dizer é que esta colaboração eletrizante entre o vencedor do Oscar e seu possível diretor em Blade, Bassam Tariq, torna aquele projeto desnecessário.

O personagem de Ali, Latif, é um muçulmano devoto e viúvo que tenta criar sozinho dois adolescentes e um bebê recém-nascido. Ele carrega um histórico de violência, herança de seu antigo trabalho como assassino profissional. Latif é arrastado de volta a esse mundo quando um antigo chefe cobra um favor, colocando-o na mira de um pastor local que também é líder de um culto (John Cho, completamente descontrolado e claramente se divertindo).

Diante de uma mistura tão extraordinária de filme de ação, estudo de personagem e investigação inesperada sobre o poder da fé, o fim daquele outro projeto acabou sendo uma bênção disfarçada.

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