Setenta y un años después, Al este del Edén encuentra una nueva -y más profunda- vida en Netflix de la mano de la nieta de Elia Kazan

Al este del Edén fue una de las películas más famosas de Elia Kazan. Setenta y un años después, su nieta Zoe Kazan, reconocida actriz y guionista, es la responsable de una nueva adaptación de la novela homónima de John Steinbeck. Esta vez, siguiendo la tendencia cultural de la época, convertida en una miniserie de Netflix, que llegará el 1 de octubre a la plataforma.

La lógica indicaría que la fascinación de Zoe Kazan con la saga de la familia Trask, que se desarrolla en la California del cambio del siglo XIX al XX, tendría que ver con el legendario film de su abuelo, uno de los tres largometrajes en los que actuó James Dean en su corta vida. Sin embargo, esto no es así. La actriz y guionista desarrolló un interés propio por la famosa novela, desde que era chica.

“A los 15 años sentí una gran curiosidad por este material y me marcó para siempre -cuenta Kazan, en una conferencia virtual con medios internacionales, de la que participó LA NACION-. Creo que este libro sigue siendo un misterio para mí. Lo leí muchísimas veces y, cada vez que vuelvo a él, descubro algo nuevo. Al crecer en California, creo que gran parte de la historia de ese estado me fascinaba. Mis padres me llevaron a conocer los lugares que aparecen en la obra después de que leí el libro, porque estaba tan obsesionada que necesitaba visitar esa especie de ‘cuna’ de la historia. Pero, al retomarlo ya de adulta, cada vez que lo abro encuentro algo nuevo. Creo que, cuando un libro está tan lleno de tesoros, realmente te llama”.

A diferencia de la película de su abuelo Elia, la miniserie escrita por Kazan comprende a las distintas generaciones que presenta la novela. Así, en esta nueva adaptación se muestra cómo crecen los hermanos Adam y Charles Trask, bajo la sombra de su padre Cyrus, interpretado por el gran Tracy Letts. Siendo parte de la comunidad teatral y cinematográfica neoyorkina, eligió a actores de ese universo para interpretar a estos personajes tan complejos. En la adultez, Adam está encarnado por Christopher Abbott y Charles por Mike Faist, ambos con amplia experiencia tanto en los escenarios, como en los sets de cine y televisión. Para el papel fundamental de Cathy/Kate, cuyo mayor desarrollo es una de las grandes novedades de esta adaptación, la creadora eligió a Florence Pugh.

“Creo que invitar a personas así a participar en el proceso es algo mayormente intuitivo; es como si percibieras que encajan bien con el material -explica Kazan sobre el casting-. Elegir al actor para el papel de Adam fue realmente difícil; era un personaje complicado de asignar. Creo que hay algo en Florence que evoca una especie de energía masculina juvenil, a pesar de que ella se presenta de una manera ultrafemenina. Yo buscaba para Adam a alguien que tuviera el efecto inverso: que proyectara una imagen muy masculina pero que guardara algo parecido a esa cualidad felina en su interior. Además, soy fan de Chris desde hace mucho tiempo; nos conocemos desde hace años. No sé, simplemente me pareció que formaban la pareja ideal. Una vez que tuvimos a nuestro Adam, sentí que podía entender quién era Charles, y Mike fue la primera persona en la que pensamos. Me siento muy afortunada de que ambos hayan aceptado. Creo que una de las cosas que más me gusta de estos actores es su capacidad para albergar contradicciones. Así que, aunque el libro posee una simplicidad alegórica, casi de blanco y negro, nos permite explorar toda esa complejidad humana dentro de ese marco”, señala Kazan.

En la búsqueda de esa complejidad, las decisiones de casting sorprendieron hasta a los propios actores. “Lo curioso es que, cuando Zoe me propuso hacerlo, al principio no tenía claro qué personaje quería que interpretara; me preguntaba si me estaría perjudicando o encasillando, así que le pregunté: ‘¿Querés que haga de Charles o de Adam?’ -explica en la misma conferencia Christopher Abbott, reconocido por sus papeles en Girls, Viene de noche y Pobres criaturas-. Pero, cuando ella me explicó un poco por qué quería que interpretara a Adam...O sea, lo habría hecho de todos modos, pero aquello lo hizo mucho más interesante. No es habitual que te ofrezcan un papel con tantos matices, capas y complejidad, y la verdad es que todos los personajes tienen eso”.

Por su parte, Faist tenía muy presente la película de Kazan cuando recibió la propuesta. “Le comenté que lo que ella estaba haciendo tenía un toque autorreferencial, algo ‘meta’; bromeamos un poco sobre eso y luego ella me contó su historia al respecto -dice el actor de Desafiantes y Amor sin barreras, en la conferencia-. Lo que me pareció realmente interesante es que cuando leyó el libro, ella no sabía que su abuelo tenía una conexión con el tema; fue algo que descubrió gracias a su propia curiosidad e interés. Y, debido a eso, obviamente tenía su propio punto de vista único. En cuanto a la historia, la película de su abuelo: cuando sos un actor joven y te mudás a Nueva York, intentás absorber la mayor cantidad de conocimientos posible, así que ves todo lo que cae en tus manos. Obviamente, las películas de su abuelo son fundamentales para el aprendizaje y el estudio de la historia del cine; analizar las interpretaciones en esos films es clave. Ella me preguntó si me interesaría interpretar a Charles y el personaje me atrajo. Me enamoré de él. Esa es la verdad, la decisión fue facilísima. Fue una de esas oportunidades únicas en las que decís: ‘¡Claro que sí!’. Pero la realidad es que después pensás: ‘¡Ay, Dios mío!’. Te das cuenta de la realidad. Y la verdad es que eso es precisamente lo que busco siempre”.

La adaptación dirigida por Elia Kazan y escrita por Paul Osborn, se centra en la última parte de la novela de Steinbeck, que tiene como protagonistas a Cal y Aaron, los hijos de Adam Trask y Cathy, a quien ellos creen muerta, pero los abandonó cuando eran bebés y se convirtió en la madama de un burdel.

El film estrenado en 1955 tuvo varias nominaciones al Oscar, incluyendo el de Mejor actriz de reparto, que ganó Jo Van Fleet por su interpretación de Cathy/Kate. La muerte de James Dean ese mismo año le dio a la película un cariz de documento histórico, pero el legado de Al este del Edén va mucho más allá de ser una de las pocas pero intensas participaciones cinematográficas del símbolo juvenil. La potencia del film está anclada en los temas clásicos del bien y el mal, las grandes interpretaciones del elenco y el talento como director de Kazan.

El director sería luego repudiado en Hollywood por declarar, durante los juicios del macartismo, los nombres de compañeros del Partido Comunista. El realizador fue reivindicado con un Oscar honorífico por su trayectoria en 1999, aunque el premio estuvo ensombrecido por la polémica y algunos de los invitados a la ceremonia no aplaudieron en repudio.

Pese a todo, sus películas son consideradas fundamentales en la historia del cine, en especial por las interpretaciones que Kazan conseguía de sus actores. Títulos como Nido de ratas, Un tranvía llamado deseo, A Face in the Crowd, Esplendor en la hierba y, por supuesto, Al este del Edén, fueron influencia directa en las siguientes generaciones de realizadores.

“Creo que la película es tan icónica por una razón -dice Zoe, sobre el film de su abuelo-. Aborda una parte del libro con igual curiosidad y tiene su propia voz. Cuando leí acerca de adaptaciones de este material que se propusieron y desarrollaron a lo largo de los años, siempre tuve esta sensación de rencor, de que eso no es lo que había que hacer con esto. Lo cual es una locura, pero lo que el corazón quiere, lo quiere. Me parece que hay un parentesco natural entre esta novela y la forma televisiva. Se mueve en el tiempo, está serializado. Cada capítulo del libro es realmente diferente al anterior. Creo que de esta manera, la suma es más grande que sus partes y te permite hacer algo inter-generacional, que me pareció realmente importante, y que la película de 1955 no pudo hacer”.

La posibilidad de contar esta historia en el formato de miniserie presentó para Zoe Kazan una oportunidad para abarcar el amplio rango narrativo que ella veía en la novela. “Creo que tuve una forma instintiva de desglosarlo -explica la guionista-. Cuando fui a mi primera reunión para esto, no tuve mucho tiempo para prepararme. Volví en avión de un trabajo que estaba haciendo en Australia, dormí un poco y enseguida me levanté, me duché y manejé el auto de mi padre hasta el estacionamiento del lugar donde iba a tener la reunión, y pensé: ‘Dios mío, no dividí esto en episodios’. Así que saqué un papel de la guantera, creo que era una multa, y lo anoté todo: ocho episodios (aunque más tarde tuvieron que convertirse en siete). Pero creo que tenía el instinto de que el libro funciona como una dialéctica, tesis, antítesis y síntesis, una y otra vez, y quería que los episodios siguieran esa misma lógica. Quería que funcionaran, en cierto modo, como pequeñas películas independientes. Sé que todo el mundo dice eso, pero creo que en este caso es realmente cierto: el primero es como una obra de Arthur Miller, el segundo recuerda a Carrie o algo así, y el tercero, a Días de gloria (de Terrence Malick). Tenía esa especie de esquema en la cabeza”.

“Creo que lo que más me ayudó a avanzar fue descubrir cómo encajar todas esas piezas para formar una gran historia; además, encontré el tema de Timshell y sentí que debía entretejerlo en todas las tramas. Para mí fue realmente importante descubrir cómo todos estos personajes luchan entre el bien y el mal, así como también encontrar la manera de desarrollar aspectos que, tal vez, solo se habían imaginado parcialmente, pero que aun así eran coherentes con la perspectiva de Steinbeck, especialmente en torno al personaje de Lee y a otros que quizás habían quedado un poco más relegados a un segundo plano en la obra original”, suma Kazan.

Uno de los aspectos que más le interesaba a la guionista y productora era ahondar en el personaje de Cathy/Kate. “Este libro no se reduce a una sola cosa -dice Zoe Kazan-. Puede simplificarse, tal como ocurre con cualquier obra de arte; es como la sonrisa de la Mona Lisa: es solo una parte del cuadro, pero necesitas la imagen completa, ¿verdad? Y creo que eso sucede con la forma en que la gente habla de cómo se presenta a Cathy, esa idea de que, a veces, nacen monstruos de padres humanos. Pero, unas cien páginas más adelante en el libro, el narrador dice: ‘He descrito a Cathy como un monstruo, pero ahora que he tomado la lupa, la he examinado y he leído las notas al pie, pienso que tal vez me equivoqué al hacerlo’. Es fácil calificarla de mala, pero si no examinamos el porqué, carece de sentido. Creo que eso mismo se aplica a todos estos personajes".

“Algo que me apasionaba especialmente era respetar la intención original de Steinbeck. Para lograrlo, sentí que debía deshacerme de ciertos elementos propios de la perspectiva masculina blanca de mediados de siglo, en los que el texto corría el riesgo de quedar atrapado. Me parece fascinante, por ejemplo, que pueda haber un retrato tan lleno de matices de un hombre chino-estadounidense, justo al lado de una descripción muy racista de sus rasgos faciales. Fue fácil prescindir de parte de eso, así como de los aspectos que consideraba misóginos. Insisto: no juzgo estas cosas, basándome en su época, pero sentía un profundo deseo de liberar los mejores instintos del libro y de resaltar lo que hay de humano en todos estos personajes”, suma.

Más allá de la escritura, para lograr la profundidad en el desarrollo de los personajes, Kazan se apoyó en un elenco muy talentoso, que incluye a Ciarán Hinds, Hoon Lee y Martha Plimpton, en papeles secundarios pero muy importantes en la narración. La interpretación de Pugh, en tanto, cumple un rol clave en esta novedosa lectura del personaje de Cathy/Kate.

“Florence fue la primera persona en la que pensé para este papel; era la única que quería -dice Kazan-. Tuve mucha suerte de que aceptara. La había visto interpretar a Dani en Midsommar, un personaje que no se parece en nada a este, pero me pareció que su trabajo allí fue algo extraordinario, casi de otro mundo. Pensé: ‘Bueno, si es capaz de hacer eso, puede hacer esto’. Es un papel importante y muy complejo. Siempre trato de trabajar desde la empatía hacia los personajes que escribo y hacia los actores que los interpretan, y ella hace lo mismo. Creo que ella siempre logra mantener un equilibrio muy interesante: encuentra la manera de empatizar con sus personajes sin necesidad de hacerlos necesariamente simpáticos o agradables, y eso era justo lo que necesitaba para esta interpretación”. La mirada de Zoe Kazan sobre este personaje y sobre toda la historia está impregnada por su convicción de que la novela escrita por Steinbeck, en 1952, conserva su actualidad.

“Lamentablemente, la situación se siente más urgente ahora que cuando empecé a trabajar en esto en 2020 -dice la guionista y productora-. Siempre estoy al borde de las lágrimas cuando hablo de esta obra. Me parece algo tan urgente. Creo que la idea de que somos capaces de cambiar y de que podemos cargar con nuestro pasado, sin que sea una piedra demasiado pesada, ni algo insignificante y carente de sentido, es un pensamiento lleno de esperanza y es lo que deseo para mis hijos y para mí misma. Hay algo realmente hermoso y creo que va en contra del impulso que tenemos actualmente, en nuestra cultura, de definir a alguien, de encasillarlo y decir que será solo eso para siempre; de ​​castigar a las personas por sus acciones en lugar de permitirles cambiar. Creo que reconocer que uno se equivocó es algo muy poderoso y agradezco tanto haber tenido la oportunidad de hacerlo en mi vida. No sé, creo que el libro habla de nuestro momento actual. Quizás hable de cualquier momento. Estamos recurriendo a arquetipos e historias muy antiguos, la lucha entre hermanos, hermano contra hermano, pero resulta muy actual”.

Con esa idea de darle una nueva vida a esta historia, Zoe Kazan se volcó a una adaptación que le escapa a la simplificación y apuesta por un espectador dispuesto a lidiar con la complejidad de los personajes y sus decisiones: “Creo que una de las cosas más generosas que podemos hacer como artistas es poner toda esa complejidad en manos del público y decirles: ‘Miren ustedes mismos; no les vamos a decir lo que nosotros pensamos’”.