Os 10 melhores álbuns feitos por adolescentes, segundo site

A capacidade de artistas muito jovens de criarem obras que parecem maiores do que sua própria experiência de vida permitiria sempre foi fascinante. Para além de riffs que se tornam sucessos instantâneos e sonoridades que mesclam referências tão diversas que apenas um cérebro que não acabou de se formar poderia conceber, a habilidade de adolescentes abordarem temas complexos e universais em suas letras deixa muito adulto de queixo caído há séculos.

Talvez esse poder venha da liberdade de experimentar sem conhecer inteiramente as regras, da disposição para desafiar convenções ou simplesmente da urgência de expressar algo antes que o mundo ensine que determinadas ambições são grandes demais. Na música, essa combinação já produziu alguns dos discos mais importantes de diferentes gerações.

A história da música internacional está repleta de exemplos dessa inquietação. Bob Dylan tinha pouco mais de 20 anos quando começou a transformar a canção folk em instrumento de comentário social e reflexão pessoal. Os Beatles ainda tinham entre 20 e 22 anos quando lançaram Please Please Me (1963), seu primeiro álbum de estúdio. No hip-hop, N.W.A ajudou a mudar o debate sobre raça, violência policial e desigualdade nos Estados Unidos com Straight Outta Compton (1988), quando seus integrantes tinham entre 19 e 23 anos.

Os álbuns a seguir, listados pela Far Out Magazine como 10 dos melhores álbuns já lançados por adolescentes, mostram como músicos muito jovens conseguiram deixar marcas duradouras na cultura popular. São trabalhos que capturam não apenas o talento de seus criadores, mas também a ousadia de quem ainda não tinha motivos suficientes para acreditar que determinadas ideias seriam impossíveis.

10º lugar: Alas, I Cannot Swim (2008) – Laura Marling

Laura Marling tinha apenas 17 anos quando gravou seu álbum de estreia, lançado em 2008. Em uma época na qual o pop britânico ganhava destaque com artistas ligados à música eletrônica, ao indie rock e às canções radiofônicas, Marling apostou no folk acústico. Como uma guitarrista nata, a cantora se consolidou utilizando arranjos discretos e letras que privilegiavam observações pessoais.

O disco surgiu em meio ao interesse renovado pelo folk britânico e pela tradição dos cantores e compositores. Marling se inspirava em nomes como Philip Larkin e outras figuras de linguagem, em composições que combinavam referências tradicionais com temas como relacionamentos, dúvidas e contradições emocionais de maneira direta.

Nos anos seguintes, a cantora lançou álbuns como I Speak Because I Can (2010), Once I Was an Eagle (2013) e Song for Our Daughter (2020), aprofundando sua abordagem introspectiva. Seu trabalho passou a ser associado a uma produção folk sofisticada, que combina delicadeza musical e complexidade narrativa.

9º lugar: Africa Must Be Free by 1983 (1978) – Hugh Mundell

Em um cenário musical marcado pela força do reggae jamaicano e pela influência da filosofia rastafári, o jovem Mundell, então com 16 anos, apresentou um trabalho que combinava espiritualidade, política e uma interpretação vocal de grande intensidade.

No fim da década de 70, a Jamaica enfrentava tensões políticas e sociais, e o reggae se consolidava como uma força musical pelo globo. Pelo gênero, era possível expressar as dores da desigualdade, o orgulho da população negra e à resistência frente à guerra partidária no país. Mundell incorporou essas preocupações ao repertório, especialmente na faixa-título, que apresenta uma mensagem de libertação e unidade africana.

Apesar do reconhecimento da crítica e público, a carreira do cantor foi breve. Mundell lançou outros cinco álbuns, incluindo Time and Place e Mundell, porém faleceu ainda jovem. Em 1983, aos 21 anos,  jovem talento foi baleado na Jamaica, interrompendo precocemente uma trajetória brilhante. Décadas depois, o disco continua sendo lembrado como uma obra expressiva do roots reggae, consolidando o legado impactante de Mundell.

8º lugar: The Kick Inside (1978) – Kate Bush

Lançado em fevereiro de 1978, The Kick Inside apresentou Kate Bush ao público britânico quando a cantora tinha apenas 19 anos. A artista chegou ao mercado em um momento de transformação da música britânica, pouco depois da explosão do punk rock. Em vez de seguir a estética direta e agressiva associada ao movimento, Bush apostou em composições elaboradas, arranjos dramáticos, referências literárias e uma interpretação vocal que transitava entre o delicado e o teatral.

O principal destaque foi “Wuthering Heights”, inspirada no romance O Morro dos Ventos Uivantes, de Emily Brontë. O sucesso foi descrito pelo The Guardian como uma “estranha combinação de artificialidade e falta de arte”, e a NME disse: “[Kate Bush] tem todos os aspectos desagradáveis ​​de David Bowie na era Mainman” (via Far Out).

Mesmo com as críticas,  a cantora seguiu seu instinto e insistiu para que a música fosse escolhida como seu primeiro single, contrariando inicialmente a preferência de sua gravadora. A decisão se mostrou acertada, e a canção chegou ao primeiro lugar das paradas britânicas. O álbum alcançou a terceira posição no ranking de discos do Reino Unido, e a faixa de destaque segue como uuma tragédia moderno, narrada pela voz fantasmagórica e suave de Bush.

A recepção ajudou a estabelecer Bush como uma artista que não dependia das convenções do pop para conquistar o público. Sua combinação de referências literárias, melodias incomuns e liberdade criativa abriria caminho para trabalhos ainda mais experimentais, como The Dreaming (1982) e Hounds of Love (1985).

Décadas depois, The Kick Inside continua sendo uma referência para compreender a formação de sua identidade musical. Bush manteve uma carreira marcada pela autonomia artística e por longos intervalos entre lançamentos, tornando-se uma figura influente para diferentes gerações de cantoras e compositores.  O projeto permanece uma obra-prima, o que torna ainda mais incrível o fato de algumas das músicas terem sido escritas quando a cantora tinha apenas 13 anos.

7º lugar: Kerplunk (1991) – Green Day

Antes de se transformar em um dos maiores nomes do rock dos anos 1990, o Green Day era uma banda jovem que construía sua reputação na cena punk independente da Califórnia. Lançado em 1991 pelo selo independente Lookout! Records, Kerplunk foi o segundo álbum de estúdio do grupo e representou um avanço importante em relação ao trabalho de estreia, 39/Smooth.

Na época, Billie Joe Armstrong e Mike Dirnt tinham apenas 19 anos, e já participavam do grupo há quatro anos. O baterista Tré Cool, da mesma idade, entrou logo antes do lançamento do álbum e ajudo a consolidar o som da banda. O projeto foi o responsável pela entrada do Green Day no universo do pop-punk, apresentando hinos como “Welcome to Paradise” e “2000 Light Years Away“.

Musicalmente, Kerplunk combinava a velocidade do punk rock com refrões melódicos e letras sobre relacionamentos, inseguranças e experiências juvenis. Essa combinação ajudou a aproximar o gênero de um público que talvez não se identificasse com as vertentes mais agressivas do punk.

O desempenho comercial foi expressivo para um lançamento independente. Entretanto, a transformação definitiva veio em 1994, com Dookie. O álbum levou o Green Day ao mercado internacional e ajudou a popularizar o pop punk, especialmente por meio de músicas como “Basket Case” e “When I Come Around”.

O sucesso posterior fez com que Kerplunk fosse redescoberto por um público muito maior. O disco passou a ser visto como uma peça fundamental da trajetória do grupo, por registrar o momento em que uma banda da cena independente começou a desenvolver a fórmula que a levaria ao estrelato.

6º lugar: When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (2019) – Billie Eilish

Quando lançou seu álbum de estréia, em março de 2019, Billie Eilish tinha 17 anos. A cantora já havia conquistado uma base de fãs com músicas divulgadas na internet, porém seu primeiro álbum de estúdio ampliou sua presença e mostrou que sua proposta musical poderia alcançar um público muito maior.

Produzido com seu irmão, Finneas O’Connell, hoje colaborador contínuo da estrela que também atua como artista solo, o disco foi desenvolvido a partir de uma abordagem que valorizava a experimentação e o uso criativo do estúdio. Ao mesclar cocais sussurrados, ruídos, graves intensos e mudanças inesperadas de dinâmica, o projeto conseguiu explorar o universo de sonhos e pesadelos proposto em seu título, construindo uma sonoridade que se distanciava do pop convencional.

As letras também contribuíram para a identidade do álbum. Eilish explorou temas como medo, ansiedade, traumas e insegurança. Com referências imagéticas sombrias em suas letras e videoclipes, foi possível levar o “bicho papão” da cultura digital à geração que já cresceu atormentada por ele. A combinação de humor, desconforto e melodias acessíveis tornou o disco reconhecível mesmo diante de uma produção musical econômica, criada pelos adolescentes em casa.

O sucesso comercial foi acompanhado por um reconhecimento excepcional nos Grammy Awards de 2020. Aos 18 anos, Eilish venceu as quatro principais categorias da premiação na mesma noite: Álbum do Ano, Gravação do Ano (“Bad Guy“), Canção do Ano (“Bad Guy“) e Artista Revelação. Com isso, tornou-se a artista mais jovem a conquistar os quatro prêmios em uma única edição, um marco que consolidou o impacto do álbum.

5º lugar: Boy (1980) – U2

O álbum de estreia do U2 apresentou o grupo irlandês a um público mais amplo, ajudando a estabelecer a combinação de guitarras melódicas, letras introspectivas e uma atmosfera permeada pelo movimento pós-punk que se tornaria uma de suas marcas registradas.

O disco foi gravado quando os integrantes ainda eram muito jovens. Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr. tinham, respectivamente, apenas 20, 19, 20 e 18 anos na época, e haviam começado a tocar juntos na adolescência. A experiência da juventude aparece na temática do álbum, que explora questões relacionadas ao crescimento, à identidade e à transição para a vida adulta.

Criado após a revolução punk, Boy é um produto da raiva do movimento unida com a transgressão juvenil, e conflitos emocionais regem o álbum. A abordar experiências pessoais com intensidade, o grupo se diferenciava de parte da produção pop da época, e, ao construir melodias delicadas, também se afastavam do mvimento punk “raiz”. Canções como “I Will Follow” apresentavam uma banda enérgica, mas interessada em construir atmosferas e desenvolver uma linguagem musical própria.

A recepção do disco ajudou a estabelecer o U2 como uma promessa do rock britânico e irlandês, embora o grupo ainda estivesse longe da dimensão comercial que alcançaria nos anos seguintes. Boy revela uma banda que já tratava a experiência juvenil como matéria-prima para composições ambiciosas.

4º lugar: Tidal (1996) – Fiona Apple

Apple tinha 18 anos quando lançou seu álbum de estreia. Tidal apresentou uma cantora e compositora que não parecia interessada em seguir a estética polida da estrela pop adolescente, e sim construir uma carreira como uma liricista poderosa. Em seu repertório, a cantora se cncentra em sua relação com o piano, vocais emotivos e letras que abordam inseguranças, relações afetivas e conflitos internos.

O disco chegou ao público em um período de diversidade na música alternativa norte-americana, quando artistas de diferentes estilos conquistavam espaço nas rádios e na televisão musical. Apple se destacou por combinar elementos do pop, do rock e do jazz com uma escrita confessional, sem transformar suas experiências em narrativas simplificadas.

A recepção ganhou força com “Criminal”, um dos singles do álbum. A canção ajudou a ampliar a visibilidade da cantora, e recebeu atenção tanto por sua sonoridade quanto pelo videoclipe. O sucesso contribuiu para que Tidal alcançasse um público maior e para que Apple fosse reconhecida como uma das novas vozes mais marcantes de sua geração.

O álbum também recebeu reconhecimento da indústria. “Criminal” rendeu a Apple o Grammy de Melhor Performance Vocal Feminina de Rock em 1998. O prêmio consolidou a presença da cantora no cenário musical, embora sua trajetória posterior tenha seguido um caminho menos convencional do que o de muitas artistas pop de sua época.

Em anos seguintes, a artista lançou álbuns como When the Pawn… (1999), Extraordinary Machine (2005), The Idler Wheel… (2012) e Fetch the Bolt Cutters (2020). Progressivamente, Apple desenvolveu uma abordagem cada vez mais experimental, com arranjos rítmicos incomuns e letras poéticas, emocionalmente densas.

3º lugar: In The City (1977) – The Jam

O album de estréia do The Jam introduiu a banda ao mundo em um momento de intensa transformação da música britânica. O punk rock ganhava espaço, questionando a grandiosidade do rock tradicional e valorizando canções curtas e uma postura de confronto. A banda liderada por Paul Weller absorveu parte dessa atitude, mas acrescentou influências da cultura mod e do rock britânico dos anos 1960.

Weller ainda ainda tinha 18 anos quando o grupo começou a ganhar projeção. Ao lado do baixista Bruce Foxton, então com 21 anos, e do baterista Rick Buckler, também de 21, desenvolveu uma sonoridade que combinava guitarras incisivas do punk com, ritmos melódicos do R&B, tudo com letras atentas às tensões sociais e às experiências da juventude. O resultado se diferenciava de bandas punk que apostavam exclusivamente na provocação, pois havia também uma preocupação com melodias e referências musicais anteriores.

A recepção do álbum ajudou a estabelecer o The Jam como um dos nomes importantes da primeira geração do punk britânico. A faixa-título, “In the City”, sintetizava a energia urbana do grupo e se tornou uma das músicas mais reconhecidas de seu repertório inicial. O disco também demonstrava que a banda tinha condições de ir além do impacto imediato associado à explosão punk.

Nos anos seguintes, o The Jam desenvolveu uma identidade mais ampla, incorporando comentários sociais e elementos do pop e do soul. Álbuns como All Mod Cons (1978) e Setting Sons (1979) ampliaram sua reputação, enquanto Sound Affects (1980) consolidou a capacidade do grupo de combinar referências distintas sem perder a personalidade.

A banda encerrou suas atividades em 1982, porém Weller seguiu uma carreira solo de destaque, explorando diferentes estilos e mantendo uma presença importante na música britânica. In the City permanece como o retrato de uma banda jovem que encontrou no contexto cultural de sua época uma oportunidade para desenvolver uma linguagem própria, mesclando a ironia e a crítica para gerar o retrato de uma era.

2º lugar: For You (1978) – Prince

Prince tinha 19 anos quando lançou For You, seu primeiro álbum, em 1978. Embora o disco não tenha alcançado o impacto comercial dos trabalhos que o músico lançaria nos anos seguintes, ele revelou desde cedo uma mente genial. Como se compor tudo não fosse suficiente, o artista também tocou cada nota do disco e, de alguma forma, fez com que tudo soasse como se tivesse sido gravado em um estúdio de última geração.

O álbum combinava elementos de funk, soul, disco, rock e R&B, refletindo a versatilidade de um músico que já demonstrava domínio técnico incomum. Prince escreveu, produziu, arranjou e executou os instrumentos do disco, uma realização especialmente ambiciosa para um músico tão jovem. Os créditos do álbum destacavam essa autonomia, que também representava uma aposta importante da gravadora Warner Bros.

O disco seguinte, simplesmente intitulado Prince, foi lançado em 1979 e ajudou a ampliar a presença do músico no mercado. A consagração internacional viria nos anos 1980, especialmente com 1999 (1982) e Purple Rain (1984), trabalhos que consolidaram sua reputação como cantor, compositor, instrumentista e produtor.

Prince faleceu em 2016, aos 57 anos, porém seu legado permanece como referência de independência criativa e domínio técnico. Pensando no ícone eterno que é Prince, For You  o registro de um jovem artista que já demonstrava ser brilhante, mas que ainda tinha muito potencial a explorar.

1º lugar: Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006) – Artic Monkeys

Formado em Sheffield, na Inglaterra, o grupo conquistou ouvintes por meio de gravações compartilhadas na internet e de apresentações que alimentaram o boca a boca. Quando o álbum de estréia da banda ingelsa chegou às lojas, em janeiro de 2006, os Artic Monkeys já era um dos nomes mais comentados da nova cena britânica.

Alex Turner, então com 20 anos recém completados, escreveu letras que retratavam festas, encontros, brigas e situações da vida noturna. A combinação de humor, observação e linguagem cotidiana do projeto se tornaria característica do grupo, que trata suas letras como crônicas da cidade.

O sucesso do lançamento consolidou o grupo como um dos principais representantes do rock britânico dos anos 2000. Nos trabalhos seguintes, a banda expandiu sua sonoridade, passando do indie rock acelerado dos projetos iniciais para arranjos mais sofisticados e atmosferas distintas em álbuns como AM (2013) e Tranquility Base Hotel & Casino (2018). O grupo segue como uma referência importante do rock contemporâneo, enquanto Turner desenvolveu uma identidade artística que combina observação social e experimentação musical.

+++ LEIA MAIS: Beatles: Quem são as únicas 5 pessoas da capa de ‘Sgt. Pepper’s’ que estão vivas hoje

+++ LEIA MAIS: U2 publica mensagem enigmática e sugere anúncio para quinta, 15