Albert Pintó, director de cine: "Todo vuelve, parece que no aprendemos de la historia. Yo escucho chavales por la calle diciendo que con Franco se vivía mejor"

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Hay historias en las que todo empieza a torcerse mucho antes de que sus protagonistas sean conscientes de ello, y ‘Leones en invierno’, la nueva película de Alberto Pintó, pertenece a esa clase de relatos en los que el pasado nunca termina de quedarse atrás y las decisiones del ayer acaban condicionando el ahora. A medio camino entre el thriller criminal y el drama familiar, la película toma como punto de partida la novela de Carlos Augusto Casas para adentrarse en un mundo de personajes que viven al límite, y donde la violencia forma parte del paisaje cotidiano.

Después de explorar otros géneros como el terror, las aventuras o el suspense en trabajos anteriores, Pintó se enfrenta aquí a una historia en la que la tensión no depende únicamente de lo que sucede, sino también de todo aquello que sus personajes llevan acumulando internamente durante años. Una película que sitúa al espectador ante una realidad incómoda y que confirma el interés del director por los relatos capaces de mantenernos en vilo sin perder de vista el lado más oscuro de sus protagonistas.

La película está basada en la novela homónima de Carlos Augusto Casas, ¿qué fue lo primero que te atrapó de ella?

La verdad es que yo leí la novela, me gustó mucho el enfoque, pero sobre todo me interesó cómo plantea el tema de la identidad, de quiénes somos, hacia dónde vamos, si nuestros traumas del pasado nos van a perseguir, si somos los que fuimos... Me gustó esto que plantea de si un evento tan traumático en tu vida puede hacer que rebroten fantasmas de tu pasado, o puedes tomar otro camino, como el que toma el personaje de Inma Cuesta, la mujer del protagonista, que opta por una vía más legal y más política. Entonces esa duda, ese planteamiento me parecía muy interesante.

La película tiene todos los elementos que tenía la novela, pero el cine permite convertir a Madrid en un personaje más.

Para mí Madrid era un marco, es decir, no me interesaba que tampoco se entendiera como Madrid. Aunque sí que aparecen un par de sitios que son icónicos dentro de la película, como Gran Vía y Plaza Mayor, que son dos sitios donde suceden precisamente dos eventos traumáticos, así que las heridas de los personajes se hacen en dos sitios muy emblemáticos de la ciudad. Pero después me interesaba cómo retratar a Madrid de una forma más residual, más periférica, más underground, de túneles, de oscuridad, de bajos fondos oscuros. Porque creo que la película navega en esos tonos y en esa oscuridad, porque además los personajes van hacia allí, son como cucarachas que salen durante la noche a hacer el mal. Entonces no quería un Madrid reconocible de grandes multitudes y de palacios.

La historia mezcla thriller, violencia, narcotráfico, movimientos hooligans y también un drama familiar muy fuerte. ¿Cómo de difícil fue encontrar el equilibrio entre todas estas pequeñas películas que, en cierto modo, conviven dentro de una misma película más grande?

En la novela de Carlos Augusto ya estaba muy bien tramado, y la verdad es que creo que es una película en la que una cosa te lleva a la otra. Es una película que funciona como una bola de nieve, en la que hay un evento que empieza a movilizar una serie de mecanismos que van llevando a la trama a nuevos sucesos y nuevos giros. Es verdad que es una obra muy sorpresiva, en la que cada diez minutos sucede algo que vira totalmente la narrativa, y que además empieza de una manera muy familiar, pero de repente se vuelve muy oscura: empieza a entrar el narcotráfico, la avaricia de los personajes... Hay muchos temas en la película que al final convergen porque todos se dirigen hacia el mismo sitio. Y creo que la clave estaba en unificarlo todo en una misma atmósfera teniendo muy claro los pesos que tenía cada personaje. Además, esta película sigue sobre todo a un matrimonio, así que todo lo demás era un poco para acompañar y crear un mundo realista alrededor de esta pareja que sufre este cisma.

La primera secuencia, ambientada a finales de los 80, ilustra aquella violencia ejercida por los grupos ultras y hooligans, que en muchos casos estaban integrados por skinheads de ideología neonazi. ¿Qué paralelismos encontráis entre aquella época que se retrata al principio de la película y el momento social que estamos viviendo actualmente?

Todo vuelve, parece que no aprendemos de la historia. Yo escucho chavales por la calle diciendo que con Franco se vivía mejor, entonces ya partiendo de eso, te das cuenta de que quizás está guay hacer películas que retraten el drama que vivimos, y lo tóxico y lo oscuro que es ese tipo de ideologías. Creo que en el caso de la película, eso no deja de ser un background del personaje, básicamente para entender que tiene un pasado violento que puede reflotar en un momento dado. La película se centra más en si podríamos contener estas bestias que llevamos dentro para que tú, como público que ve la película, pienses si también llevas algo dentro, un diablo, o un ser atormentado que podría hacer el mal en caso de un evento así.

A lo largo de toda la película aparecen muchos simbolismos relacionados con la figura del león.

En realidad el león refleja el diablo que el personaje de Luis Zahera lleva dentro. Creo que hay algo metafórico en el león, que no deja de ser algo físico para ejemplificar algo interno. Era una idea que tuvo Juma, el guionista que adaptó la novela, que me pareció brillante.

En la película, cuando la violencia se desata, resulta muy difícil saber hasta dónde puede llegar.

Estaba claro que la película tenía que ir a más. La película es una espiral hacia el infierno que empieza por un pequeño gesto, que ese gesto te lleva a otro gesto… Todo empieza por una llamada del protagonista a un amigo del pasado que le hace retomar viejos sabores en el paladar, y eso funciona como una pequeña bola de nieve que construimos específicamente para que cada vez fuera más grande y más imparable, para entender que los personajes están abocados a la perdición, porque hay un momento que no pueden pararlo. Yo creo que de alguna forma la película cuenta que la violencia no hace nada más que deshumanizarte y desconectarte sobre lo humano y lo que realmente importa. Entonces los personajes que se pegan a la violencia al final se despegan de todo lo demás.

Cuando la justicia no funciona, los personajes que componen el matrimonio protagonista optan por vías muy diferentes.

Esencialmente habla sobre cómo tras un evento traumático, existen varios caminos muy diferentes que puedes tomar. Ya hemos hablado de la violencia, pero también hay una vía femenina muy bonita que encarnan los personajes de Inma Cuesta e Irene Escolar, que de hecho, me parece que la película la señala como la vía correcta, la vía de lo legal, de lo político, de lo justo. Y claramente se ve que el bando masculino, en este caso del padre, opta por la venganza, por tomarse la justicia por su cuenta a través de la violencia, que claramente creo no les lleva a ningún lugar.

¿Existen las segundas oportunidades en la vida?

Creo que sí. Para mí, si la gente sale del cine pensando eso, voy a ser feliz. Si la gente piensa: ‘Se pueden hacer las cosas mejor en esta vida, puedo ser mejor persona’, eso es que hemos hecho algo guay.